Résistances surréalistes / éditions terres de Feu / Léa Nicolas-Teboul

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Ce livre avance sans cherche pas à monumentaliser la Résistance Surréaliste, mais il nous restitue dés acts artistiques et politiques. Il explore les marges, les zones obliques, les gestes minuscules qui fissurent la grande mécanique totalitaire.

Léa Nicolas-Teboul construit un récit croisé. À Jersey, Claude Cahun et Marcel Moore inventent le « Soldat sans nom » et mènent une campagne de contre-propagande destinée à démoraliser la Wehrmacht  . À Paris, de jeunes poètes et peintres fondent la revue La Main à plume, prennent part à la résistance intellectuelle, fabriquent de faux papiers, s’engagent contre l’occupant  . Deux foyers, deux manières de faire passer le surréalisme du manifeste à l’action.

L’une des grandes forces du livre tient à sa définition de la résistance. Elle ne se réduit ni à l’héroïsme ni au sabotage spectaculaire. Elle commence par une disposition sensible : « La résistance revient d’abord à se laisser affecter par les événements »  . Être atteint. Comprendre la gravité du moment. Chercher des formes d’action en marge des appareils institués. Le surréalisme devient alors un réservoir de gestes, de pratiques, de savoir-faire – un répertoire capable de s’incarner dans le réel  .

La question queer irrigue en profondeur cette lecture. Claude Cahun ne se contente pas d’être une artiste engagée. Son travail sur l’identité, sur la métamorphose, sur la mascarade des genres constitue un laboratoire politique. Ses autoportraits, où elle performe différentes figures, mettent en crise la naturalité supposée des rôles féminins  . Le choix d’un prénom épicène, l’affirmation d’un nom juif revendiqué, l’exploration d’une subjectivité plurielle font de son œuvre un espace de résistance aux assignations. Le livre montre avec justesse que cette déconstruction des identités fixes n’est pas périphérique à l’antifascisme. Elle en est une composante essentielle. Résister, c’est aussi refuser la pureté des catégories, l’idéologie des identités closes, la hiérarchisation des corps.

L’analyse des textes de Claude Cahun, notamment Les paris sont ouverts, éclaire la tension entre poésie et propagande. Elle défend l’idée que la poésie agit de manière souterraine, par « courts circuits » affectifs, irréductibles au mot d’ordre  . Cette réflexion sur les mécanismes de la propagande traverse tout l’ouvrage. Elle prépare la compréhension des stratégies mises en place pendant l’Occupation.

Du côté de la Main à plume, le livre restitue la vitalité d’un collectif qui veut « dissoudre les egos littéraires » et vivre l’histoire au présent  . La résistance y apparaît comme une expérience relationnelle, presque organique, une « structure de sentiment » où s’imbriquent le personnel et l’idéologique  . Cette notion est décisive : elle permet de penser l’antifascisme non seulement comme position politique, mais comme manière d’être au monde.

Ce qui impressionne, c’est la rigueur documentaire alliée à une écriture incarnée. L’iconographie, les tracts, les archives sont mobilisés sans jamais figer le récit. L’autrice assume une position située, contemporaine, et rappelle que raconter ces histoires, c’est aussi interroger notre présent  .

Résistances surréalistes ne propose pas une légende dorée. Il met en lumière des résistances atypiques, internationalistes, minoritaires, longtemps restées à la périphérie de l’histoire officielle  . Il montre que la bataille se joue aussi dans les images, dans les mots, dans les formes. Que la poésie peut devenir un geste. Que l’humour noir peut miner une armée. Que l’intime peut être politique au sens le plus concret.

Un livre précieux parce qu’il rappelle que la résistance n’est pas seulement affaire d’armes. Elle est aussi affaire d’imaginaire, de corps, d’affects. Et qu’inventer des formes de vie demeure l’un des gestes les plus radicaux face aux puissances qui veulent les normaliser.

Une pension en Italie – Éditions Julliard & Vous parler de mon fils – Éditions Pocket / Philippe Besson

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J’ai rencontré Philippe Besson, et nous avons fait dialoguer ses livres comme on met face à face deux miroirs. Très vite, une évidence s’est imposée : ils ne racontent pas la même histoire, mais ils interrogent les failles et les silences.

Dans Une pension en Italie, tout semble commencer sous le signe de la douceur. 1964. Une pension italienne, une famille française réunie pour l’été. La lumière est belle, presque trop belle. Philippe Besson installe un décor de vacances, puis il en démonte patiemment les certitudes. Les corps se rapprochent, les tensions affleurent, les désirs se déplacent. Ce roman est une mécanique délicate. Le narrateur, des années plus tard, revient sur ces quelques jours qui ont reconfiguré son histoire familiale. Ce qui bouleverse, c’est cette idée que l’on peut vivre un moment sans en comprendre la portée, et découvrir ensuite qu’il a tout décidé.

En face, Vous parler de mon fils, aujourd’hui en poche, est un livre d’aujourd’hui. Brutal. Nécessaire. Un adolescent s’est suicidé après avoir été harcelé. Son père prend la parole. L’auteur choisit la voix du deuil plutôt que celle du réquisitoire. Il explore la culpabilité, les signaux manqués, la violence diffuse d’un groupe. L’émotion naît de la retenue. Il ne dramatise pas, il éclaire. Il montre comment la cruauté peut devenir banale, comment l’amour parental ne suffit pas toujours à protéger.

Ce qui s’est joué pendant l’entretien, c’est précisément cela : la continuité. Chez Philippe Besson, l’intime n’est jamais anecdotique. Il est politique au sens le plus profond. La famille devient un laboratoire des passions humaines. Le secret dans l’Italie des années soixante. Le silence dans la France contemporaine. Deux contextes différents, une même obsession : comprendre ce qui fracture les êtres.

Sa force tient à cette écriture limpide, sans emphase, qui laisse la place au trouble. 

Il cherche la fidélité à l’émotion nue, dans un paysage souvent tenté par le spectaculaire, donne à ses romans une résonance durable.

En quittant Philippe Besson, je me suis dite que ses livres ne dialoguent pas seulement entre eux. Ils dialoguent avec nous. Avec nos propres silences. Et c’est sans doute là que la littérature devient indispensable.

Éloge du tatouage / Rivages / Héloïse Guay de Bellissen

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J’ai rencontré Héloïse Guay de Bellissen au Mondial du Tatouage à Paris, quelle expérience, la première pour moi.

Cinq cents manières différentes d’utiliser le corps comme toile. J’y ai croisé mon tatoueur adoré Davide Pescarella, exerçant son talent à quelques mètres de là, gestes précis, concentration intacte, cette façon qu’ont certains artistes de faire oublier le vacarme autour.

Ce contexte n’aurait pas pu être plus juste pour entrer dans Éloge du tatouage. Le livre s’ouvre exactement là où l’on se trouve au Mondial : au croisement du corps, du regard et du sens. Mais très vite, Héloïse Guay de Bellissen déplace le centre de gravité. Elle ne regarde pas le tatouage comme un phénomène, encore moins comme une mode. Elle le pense comme un langage ancien, une écriture du vivant, une archive intime.

L’expérience qu’elle raconte est radicale. Confier son dos à plusieurs tatoueurs, sans jamais voir l’œuvre en train de se faire, accepter l’ignorance, la douleur, le temps long. Ce choix n’est pas spectaculaire, il est éthique. Il dit quelque chose de notre rapport au contrôle, à la création, à la confiance. Le corps devient un espace de pensée, un lieu d’exposition involontaire, une page que l’on ne relit pas.

La manière dont le texte circule, me plaît beaucoup. Entre journal de bord, entretiens menés sous l’aiguille, méditations sur l’art pariétal, la philosophie, la littérature, l’histoire des images. Rien n’est plaqué. Chaque référence semble surgir naturellement, comme si le tatouage appelait de lui-même Aristote, Lascaux, Merleau-Ponty ou la Beat Generation. Le livre avance par strates, comme une peau.

On referme Éloge du tatouage avec une sensation rare : celle d’avoir lu un texte qui ne cherche pas à convaincre. Il ne défend rien, il montre. Il rappelle que toute inscription véritable engage quelque chose de définitif, qu’écrire, comme tatouer, revient à accepter qu’une trace nous dépasse. Dans un monde obsédé par l’effaçable et le réversible, ce livre fait un pas de côté. Il affirme calmement que certaines marques valent d’être portées à vie.

Charlotte Brontë’s Life Through Clothes / Bloomsbury Visual Arts / Eleanor Houghton

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Dans cette période où le film « Wuthering Heights donne un coup de projecteur aux sœur Brontë, un excellent livre est disponible pour les lecteurs anglophones.

Eleanor Houghton est une historienne de la mode, autrice et illustratrice britannique, spécialiste du XIXᵉ siècle. Son travail explore les liens entre vêtement, identité et création littéraire, en considérant le textile comme une archive à part entière, capable de révéler des dimensions intimes, sociales et politiques de l’histoire.

Formée à la recherche académique et étroitement liée aux collections muséales, elle s’appuie sur une méthodologie rigoureuse mêlant analyse matérielle, sources littéraires, correspondances et iconographie. Ses recherches portent en particulier sur les écrivaines victoriennes et la manière dont le vêtement participe à la construction du corps féminin, de la respectabilité sociale et de l’expression de soi.

Avec Charlotte Brontë’s Life Through Clothes, publié chez Bloomsbury Visual Arts, Eleanor Houghton propose une biographie novatrice qui renouvelle profondément les études brontëennes. En croisant histoire littéraire et histoire du costume, elle restitue une figure complexe, incarnée, loin des mythes figés, et impose une voix singulière dans le champ de l’histoire culturelle contemporaine.

Il arrive parfois qu’un livre déplace silencieusement un champ entier de savoir. Charlotte Brontë’s Life Through Clothes fait exactement cela. En choisissant de raconter une vie non par la chronologie des faits ou l’exégèse des œuvres, mais par les tissus, les coutures, les usures et les couleurs, Eleanor Houghton accomplit un geste critique d’une rare justesse.

Le pari est audacieux. Il consiste à prendre au sérieux ce que l’histoire littéraire a longtemps relégué au rang de détail ou d’anecdote. Les vêtements de Charlotte Brontë deviennent ici des archives à part entière, des documents sensibles capables de dire ce que les lettres taisent, ce que les biographies ont parfois figé. Une robe n’est plus un décor. Elle devient une décision, une contrainte sociale, une projection intime. Un corset raconte à la fois le corps féminin au XIXe siècle, la discipline morale, et les zones de résistance invisibles.

La grande réussite du livre tient à cette double exigence. Une rigueur scientifique impressionnante, nourrie par neuf années de recherche, de travail muséal, d’analyse textile minutieuse. Et, en même temps, une écriture profondément incarnée, presque narrative, qui ne sacrifie jamais la précision à l’effet. Chaque chapitre fait dialoguer le vêtement conservé, l’objet disparu reconstitué, les lettres, les romans, les silences. On comprend alors comment Charlotte Brontë se fabrique, se protège, se met en scène ou s’efface, selon les moments de sa vie.

Ce regard transforme aussi notre lecture de l’œuvre. Jane Eyre, Villette, Shirley apparaissent autrement, éclairés par une conscience aiguë du vêtement comme langage social, comme frontière entre l’intime et le monde. Ce que Houghton montre avec une finesse remarquable, c’est que l’apparente austérité vestimentaire de Charlotte Brontë n’est jamais une simple soumission. Elle relève d’une stratégie, d’un positionnement, parfois d’un refus, parfois d’un désir de maîtrise.

Les illustrations, d’une précision presque tactile, ne relèvent pas de l’ornement. Elles participent pleinement de la pensée. Elles donnent à voir ce que l’écriture seule ne pourrait saisir: l’épaisseur d’un tissu, la violence d’une baleine de corset, la fragilité d’un bonnet d’enfant, la solennité d’une robe de deuil. Le livre devient ainsi un objet total, à la croisée de l’histoire littéraire, de l’histoire sociale et de l’histoire du regard.

Ce qui demeure, une fois la dernière page refermée, c’est le sentiment d’avoir rencontré une Charlotte Brontë plus complexe, plus incarnée, plus contradictoire aussi. Non pas une icône figée dans le mythe, mais une femme qui a vécu dans un corps, dans des vêtements, dans un monde qui pesait lourdement sur les épaules féminines. Eleanor Houghton ne démystifie pas. Elle restitue. Et ce geste, profondément respectueux et profondément politique, fait de ce livre une contribution majeure aux études brontëennes et, plus largement, à notre manière de penser la littérature à partir du réel  

Minuit à bord / Gallimard / Laura Alcoba

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Édouard Leroy et moi avons rencontré au Zimmer Laura Alcoba, qui nous a fait rêver, rire, aimer, souffrir, ressentir mille émotions, tout comme dans son livre Minuit à bord.

Tout commence par une apparition. Un ascenseur parisien, un béret sombre, une écharpe verte. Une silhouette entrevue presque par hasard et qui, pourtant, va s’imposer durablement à la mémoire. Dès l’ouverture, Laura Alcoba installe une écriture de la trace, de l’empreinte laissée par une rencontre, par un visage, par une voix que le temps n’a pas effacée.

Au centre du livre, Benjamin Fondane. Poète, penseur, cinéaste, figure déplacée, menacée, promise à l’effacement. Mais autour de lui gravite une autre présence essentielle : Victoria Ocampo. Femme libre, mécène, passeuse, fondatrice de la revue Sur, Ocampo apparaît comme celle qui reconnaît avant les autres. Celle qui voit, qui invite, qui soutient. Elle ouvre des portes, finance des traversées, organise des rencontres, fait circuler les œuvres et les idées entre l’Europe et l’Amérique latine. Grâce à elle, Fondane parle, projette, filme, existe autrement.

Laura Alcoba ne transforme pas Ocampo en simple figure secondaire. Elle lui restitue sa puissance d’intuition, son rôle décisif dans l’histoire culturelle du XXᵉ siècle. Ocampo n’est pas seulement une mécène élégante ou une femme du monde. Elle est une force de déplacement, une intelligence en mouvement, quelqu’un qui comprend que la création a besoin d’espace, de confiance, de moyens concrets pour advenir.

Le livre se construit ainsi par cercles successifs. Autour de Fondane, autour d’Ocampo, autour de l’autrice elle-même. Paris, Buenos Aires, la frontière espagnole, la Méditerranée. Les lieux dialoguent, les époques se répondent. L’exil se loge dans les objets, les souvenirs d’enfance, une mallette trop pleine, un pain sec de marins, un hôtel presque vide face à la mer. Rien n’est décoratif. Chaque détail porte une charge affective et historique.

Il est aussi question de création, de cinéma muet, de poésie, de ce refus commun des systèmes clos et des certitudes dogmatiques. Fondane revendique l’inquiétude comme condition de pensée. Ocampo, elle, crée les conditions matérielles et symboliques pour que cette pensée circule. Laura Alcoba inscrit son écriture dans cet héritage : une écriture attentive, vibrante, qui préfère l’écoute à l’énoncé définitif.

La résidence au Belvédère devient un espace mental, presque une chambre d’écho. Solitude choisie, parfois éprouvante, où les fantômes se manifestent sans tapage. Ils ne demandent ni célébration ni discours. Seulement d’être accompagnés un instant, regardés avec justesse.

En refermant Minuit à bord, on a le sentiment d’avoir traversé une constellation. Des vies, des œuvres, des fidélités secrètes. Laura Alcoba ne fige rien, ne hiérarchise pas à outrance. Elle fait circuler. Et rappelle, avec une élégance grave, que la littérature est aussi un geste de transmission, un art du lien, une manière de tenir ensemble la mémoire, le doute et la liberté.

Et puis ils sont allés danser / Gallimard / Yacha Kurys

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J’ai rencontré Yacha Kurys au Café Zimmer, pour parler de son nouveau livre.

Ce qui frappe d’abord, ce n’est pas le roman, mais la manière dont il en parle. Pas de discours préparé, mais la vie de faire « vivre » son roman. La conversation se construit ailleurs : autour de livres aimés très tôt, de figures littéraires qui accompagnent longtemps, de cette période de la vie où l’on sent confusément que quelque chose se joue, sans savoir encore comment le nommer. On parle aussi de la famille, de ce que l’on reçoit malgré soi, de ce qui pèse, de ce qui manque. L’échange est dense, parfois grave, jamais appuyé. On comprend vite que le livre est né de cette zone-là : un endroit où la vie précède largement la littérature.

Et puis ils sont allés danser suit un adolescent au moment précis où les cadres se dérobent. Plus vraiment enfant, pas encore adulte, il avance sans protection. Le lycée s’effondre, la relation au père se tend jusqu’au point de rupture, et surgit alors une rencontre décisive, magnétique, dangereuse aussi. Ce qui se joue entre ces deux garçons n’a rien d’une exaltation festive ou d’une pose romantique : c’est une tentative maladroite pour tenir debout, pour sentir quelque chose quand le monde devient trop étroit. L’alcool, l’errance, la nuit ne sont jamais célébrés ; ils apparaissent comme des symptômes, des moyens imparfaits pour anesthésier une violence intérieure qui cherche une issue.

Le roman avance par scènes courtes, parfois presque brutes, comme des fragments de conscience. Yacha Kurys ne cherche ni à expliquer ni à excuser. Il se tient au plus près de son personnage, dans cette zone instable où l’on agit avant de comprendre, où l’on se trompe souvent, où les mots arrivent toujours trop tard. Cette proximité donne au texte une tension singulière : le lecteur n’est jamais en surplomb, il est embarqué.

Impossible de ne pas penser au parcours de l’auteur. Avant d’écrire sous son nom, Yacha Kurys a publié sous le pseudonyme de Sacha Sperling. Ce passé n’est pas un simple détail biographique. On en retrouve la trace dans l’attention portée aux corps jeunes, aux zones de fracture, à la violence sourde des liens familiaux. Mais ici, quelque chose s’est déplacé : moins de provocation, plus de gravité. Comme si l’écriture avait gagné en profondeur sans avoir perdu en éclat.

Le livre agit alors comme une instantanée très juste de notre société, non pas par le discours, mais par la sensation. Il dit la fragilité des trajectoires, la solitude des adolescents face aux attentes, la difficulté de transmettre sans blesser. Rien n’est démontré.

Et puis ils sont allés danser est un livre qui demande au lecteur de s’approcher, d’accepter l’inconfort, d’écouter ce qui se dit à voix basse. Un roman nécessaire, parce qu’il rappelle que la littérature peut encore saisir ces moments où une vie vacille – et nous obliger, doucement mais fermement, à regarder.

Il y a chez Yacha Kurys une justesse rare, à la fois dans l’écriture et dans la manière d’être au monde.

Bravo Yacha pour ce que tu écris et la personne lumineuse que tu es. 

La littérature a besoin de livres comme les tiens

L’Assassin du genre humain / Éditions Stock / Tobie Nathan

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J’ai rencontré l’ethnopsychiatre et écrivain Tobie Nathan au Zimmer, pour parler de son dernier roman, L’Assassin du genre humain.

Tout commence par un procès, celui de Marcel Petiot, médecin accusé de crimes multiples commis sous l’Occupation. Mais très vite, on comprend que l’enjeu n’est pas judiciaire. Ce qui se joue ici, c’est la prise de pouvoir par le langage et par la suggestion.

Jade est doctorante en criminologie. Elle a appris à penser le crime avec des outils, des cadres, des mots précis. Elle croit à la distance critique, à la solidité des archives, à la force des catégories. Elle arrive au tribunal convaincue que comprendre protège. Or le roman montre exactement l’inverse. Car Jade écoute. Et écouter, ici, n’est pas neutre.

Un procès, en apparence. En réalité, une lutte pour le contrôle du récit.

Ce roman pose une question simple et vertigineuse : que se passe-t-il lorsque le mal apprend à bien parler ?

L’homme que Jade a face à elle agence et fabrique un récit où la violence se pare de logique, où le crime se dissimule derrière une cause, une nécessité, une histoire plus vaste que lui. Jade découvre alors que le danger ne réside pas uniquement dans les actes commis, mais dans cette capacité intacte à produire du sens au mal. À proposer une version du monde où l’horreur devient presque cohérente. 

Son trouble est celui du lecteur. À quel moment l’analyse se transforme-t-elle en fascination. Quand le langage cesse-t-il d’éclairer pour commencer à séduire.

C’est là que le roman devient profondément actuel. La manipulation ne passe pas par le mensonge grossier, mais par la narration. Dire autrement pour faire oublier. Dire mieux pour rendre supportable. Dire plus large pour diluer la responsabilité. Tobie Nathan observe ce mécanisme avec une acuité presque inquiétante. Le langage n’est plus un outil d’élucidation, mais un instrument de contournement. Il ne révèle pas, il enveloppe.

C’est troublant de découvrir que Marcel Petiot était précocement perçu comme mauvais dans la sphère familiale, et comme ses patients le décrivaient comme un bon médecin.

Cette approche trouve une résonance forte avec La Littérature et le mal. Bataille voyait dans la littérature un lieu de confrontation, non de résolution. Le mal, chez lui, n’est pas un objet à juger, mais une expérience limite, un point de friction où vacillent les certitudes morales. Lire le mal, c’est accepter de le regarder sans garantie de sortie.

L’Assassin du genre humain s’inscrit pleinement dans cette filiation. Le roman ne cherche ni à expliquer pour rassurer, Il accepte l’inconfort. Il montre comment le mal peut être discursif, intelligent, parfois même séduisant. Et comment la littérature, lorsqu’elle est juste, ne pacifie pas mais expose. Jade, dans sa position d’écoute, devient la figure de cette exposition. Elle ne sort pas indemne du procès. Le lecteur non plus.

Ce livre ne fascine pas par le crime qu’il raconte, mais par ce qu’il révèle. Notre vulnérabilité collective face aux récits bien construits. Notre besoin de mots pour donner du sens, y compris à l’inhumain. Tobie Nathan ne dit pas ce qu’est le mal. Il montre comment il se dit.

Un roman remarquable sur un mal ancien de l’humanité, hélas toujours d’une brûlante actualité.

Livre que je conseille vivement.

14 Juillet / Flammarion / Benjamin Dierstein

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J’ai interviewé Benjamin Dierstein dans les locaux de son éditeur, Flammarion.

Cette rencontre a été l’occasion d’évoquer sa trilogie, immense et singulière, et son dernier volet, 14 Juillet, qui vient de paraître.

Avec Bleus, Blancs, Rouges, Benjamin Dierstein signe une fresque politique rare, par son ambition comme par sa tenue. Trois livres qui se lisent séparément, mais aussi comme un seul bloc : tendu, inquiet, traversé par une même question : que fait la violence à une démocratie lorsqu’elle devient un langage ordinaire ?

Le fond, d’abord. La trilogie s’ancre dans les années 1970 et au début des années 1980, ce moment de bascule où la France post-gaullienne se découvre poreuse aux radicalités, aux réseaux clandestins, aux héritages mal digérés de la guerre froide. Benjamin Dierstein ne plaque pas l’Histoire comme un décor : il la travaille comme une matière vivante, contradictoire, souvent sale. La France officielle et ses zones d’ombre s’y répondent sans cesse, de la police aux services secrets, des milieux militants aux marges criminelles.

Les personnages fictifs sont le cœur battant de cette trilogie. Jacquie Lienard, que j’adore, incarne une génération de policiers encore jeunes, lucides, confrontés à une institution qui se durcit et à un monde où les lignes morales se déplacent sans cesse. Face à elle, Marco Paolini avance avec ses propres convictions, pris dans les rivalités de services et la violence des rapports de pouvoir. Plus en retrait, Jean-Louis Gourvennec, brigadier usé, infiltré de longue date, porte sur lui la fatigue des compromis et le poids des renoncements. Et puis il y a Robert Vauthier, figure trouble, mercenaire revenu d’Afrique, incarnation parfaite de ces zones grises où se mêlent intérêts privés, raisons d’État et brutalité assumée. Aucun n’est héroïque au sens classique. Tous sont pris dans des logiques qui les dépassent.

C’est en les suivant que le roman devient pleinement politique, parce qu’il montre comment des individus ordinaires se retrouvent embarqués dans des mécanismes qui les dépassent.

La forme, ensuite. Chaque volume avance par chapitres courts, selon un montage alterné, avec un sens aigu du rythme. L’écriture est sèche sans être froide, documentée sans jamais peser.

L’auteur a le goût du détail juste — un bureau, une rue, une tension dans un dialogue — et surtout celui de la durée : il laisse les événements se déposer, les conséquences infuser. Cette patience narrative donne à l’ensemble une densité romanesque qui dépasse largement le cadre du polar historique.

Le point d’orgue, aujourd’hui, reste 14 Juillet. Le roman le plus récent est aussi, pour moi, le plus abouti. Tout y converge : les fils politiques, les aveuglements idéologiques, la brutalité des décisions prises loin des regards. Le titre claque comme une promesse de célébration, mais le livre en raconte l’envers : la fracture, la déflagration, ce moment précis où la République vacille sous ses propres tensions.

Chaque scène semble dire : regardez bien, c’est ainsi que les sociétés se fissurent, sans bruit, avant l’explosion.

Lire cette trilogie, c’est se laisser traverser par une histoire qui ne rassure pas, mais qui éclaire. Si vous cherchez des romans qui prennent le lecteur au sérieux et qui font confiance à son intelligence, Bleus, Blancs, Rouges vous attend.

Le premier volet est disponible en format poche chez Folio, les deux suivants chez Flammarion : je vous les conseille vivement.

Les Buddenbrook / Gallimard / Thomas Mann

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J’ai rencontré Aurore Touya, coordinatrice des littératures étrangères et éditrice des langues d’Europe centrale et orientale chez Gallimard, au Zimmer à Paris.

Édouard Leroy, pour notre émission Fragments, est l’instigateur de cette belle discussion, menée de main de maître, avec ce sens rare de l’écoute qui permet aux livres de parler avant ceux qui les accompagnent.

La vidéo intégrale est ici, plus bas.

Les Buddenbrook de Thomas Mann, dans cette nouvelle traduction parue chez Gallimard, apparaît alors comme un texte légèrement déplacé dans le temps, réinstallé dans notre présent. On croyait connaître ce roman fondateur ; on découvre une autre respiration, une syntaxe qui ose davantage la netteté, parfois même une forme de malice, comme si la langue refusait désormais toute complaisance.

La conversation a rapidement quitté les coulisses de l’édition pour toucher à une question plus vertigineuse : que devient un classique lorsqu’on le retraduit ? Non pas une statue nettoyée, mais une œuvre qui renaît pour le lectorat francophone. Cette version restitue la précision de Mann, son art du rythme et de l’observation, cette manière d’accompagner la lente désagrégation d’un monde. La préface déplie les lignes de force de Les Buddenbrook et nous raconte moins une famille qu’un système de valeurs à bout de souffle.

Ce que cette traduction laisse apparaître, c’est une ironie plus frontale, moins décorative. Mann regarde ses personnages avec une lucidité qui n’exclut ni la tendresse ni la cruauté. Les héritiers avancent, chargés d’un passé qui les oblige et les entrave à la fois, pris entre fidélité et épuisement.

Au Zimmer, entre les miroirs et le velours, Les Buddenbrook cessait d’être un grand livre du passé pour redevenir une expérience de lecture très actuelle : celle d’un monde qui s’use sans fracas, et dont la littérature, parfois, sait enregistrer la chute avant même qu’elle ne soit visible.

Oui, après la rencontre, j’ai bien lu à nouveau ce roman magistral, et j’ai vraiment apprécié la découverte d’un Thomas Mann avec un humour insoupçonné lors de ma première lecture.

Merci Aurore et toute l’équipe, pour ce travail monumental.

Prélude à la goutte d’eau / Gallimard / Rémi David

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Enfants, nous apprenons très tôt l’importance de l’eau. « Il faut boire », me disait ma mère, et je me demandais pourquoi souligner une évidence. L’eau est merveilleuse. La Ferrarelle, eau pétillante italienne, a fini de m’en convaincre.

L’eau peut devenir un luxe. Je l’ai appris en voyageant, et en lisant. Difficile de ne pas penser à Dune, où la lutte pour l’Épice est aussi une lutte pour l’eau. Difficile aussi de ne pas savoir qu’aujourd’hui encore, on meurt faute d’eau potable. Plus troublant encore : voir, même en France, certaines régies de l’eau confiées à des groupes privés, comme si cela allait de soi.

Mais que raconte ce livre, situé dans un futur proche, terriblement proche ?

Le roman part d’une idée qui semble folle et qui, précisément pour cette raison, inquiète : vendre de l’eau comme on vendrait du pétrole. Pas une métaphore. Un projet. Déplacer un iceberg, le faire fondre ailleurs, transformer la pénurie en opportunité économique.

Rémi David écrit un roman d’anticipation très proche de nous, presque trop proche. Il ne projette pas un futur spectaculaire, il décale à peine le présent. Canicules installées, ressources sous tension, États débordés, multinationales plus rapides que les lois. Le cœur du livre bat dans cette zone grise où tout devient techniquement possible avant d’être humainement acceptable.

Le récit se construit autour de forces opposées, mais jamais caricaturales. D’un côté, un entrepreneur visionnaire, persuadé que le marché peut résoudre ce que la politique n’arrive plus à contenir. De l’autre, Samira, juriste, qui tente d’introduire du droit là où l’économie avance sans frein. Entre eux, pas un duel simpliste, mais une friction constante, faite d’arguments, de failles intimes, de convictions parfois contradictoires. Le roman est passionnant précisément parce qu’il refuse le confort des bons et des méchants.

Remarquable est la rigueur du dispositif. Rémi David connaît ses dossiers. Le droit international, les enjeux climatiques, les équilibres géopolitiques irriguent le texte sans jamais l’alourdir. Le roman avance comme une enquête morale, presque un thriller juridique, où chaque décision ouvre une brèche supplémentaire. La tension ne vient pas de l’action, mais des conséquences. De ce que chaque personnage accepte de céder.

Et puis il y a l’eau. Omniprésente. Ressource vitale, objet de convoitise, matière politique. L’eau comme bien commun devenu marchandise. L’eau comme révélateur de nos angles morts contemporains. À travers elle, le livre pose une question brutale et limpide : jusqu’où sommes-nous prêts à aller pour continuer à vivre comme avant ?

Prélude à la goutte d’eau est un roman inquiet, intelligent, profondément actuel. Un livre qui ne donne pas de leçons, mais qui déplace le regard. Il nous force à penser ce que nous préférons encore croire abstrait. Et quand on le referme, une sensation demeure : le futur n’arrive pas d’un coup. Il commence toujours par une goutte.